Cine francés
La época dorada del cine francés llega hasta el final de la Gran Guerra. De este periodo destaca Zecca (obras como Historie d’un crîme), director que explotaba el cine comercial. Feuillade (Fantomas) consigue crear magia a través de la realidad cotidiana.
A comienzos de los años 20, las majors americanas se establecen en París. Se siguen las pautas marcadas por Feuillade. Destacan el cine histórico, que se recrea en un pasado glorioso; el melodrama, dividido en espectáculo de estudio y melodrama realista; la fábula satírica y las fantasías modernistas. Así, destacamos a Max Linder con una comicidad refinada basada en la observación psicológica y las situaciones extravagantes.
A lo largo de los años 20 se desarrolla una reflexión sobre el cine en críticas, publicaciones de revistas, libros, cineclubes (el primero fue CASA) y cines especializados. El movimiento promovido por los cineclubes incluye la proyección de cine comercial, así como obras clásicas y vanguardistas.
Leopold Survage realiza Rythmes colorés pour le cinema, creando un arte autónomo que realza la forma visual abstracta, el ritmo y el color.
Cine danés
La primera grabación danesa fue en 1898 para realizar un retrato de los reyes del país, el zar de Rusia la reina de Inglaterra y el rey de Grecia.
No obstante el pionero en el cine danés fue Ole Olsen que había sido empresario de circo y creó la Nordisk Film Kompagni. Para el debut de su firma compró un león y grabó la caza y despedazamiento del animal en una cinta realmente escandalosa, y desde entonces las cintas danesas se caracterizaron por el escándalo.
Algunas características del cine de este lugar son: la creación del beso realista con la boca abierta en contraposición con los breves besos que de aquellas se veían en el cine; la creación de la figura de la mujer fatal; la temática dramática y refinada y la utilización de plano general como el el Film d’Art, además este cine era muy similar al que posteriormente crearía Hollywood, con la diferenciación de que repudiaban el final feliz.
Los dos máximos creadores del cine danés fueron:
Benjamin Christensen: hace Häxan como obra culmen, una cinta escabrosa sobre la brujería a través de los tiempos. Después se va a Hollywood, donde roda misery comedies.
Carl Theodor Dreyer: realiza Prastankan, satirizando una costumbre escandinava sobre las mujeres de los pastores que, después de haber fallecido ellos, debían casarse con sus sucesores. Es el director danés más universal, influido por Sjörström. A pesar de no tener una cinematografía muy extensa, ha pasado a la historia por títulos como La pasión de Juana de Arco, que es una de las obras más significativas del cine mudo.
Cine italiano
Antes de que el Film d’Art fuera creado en Francia, en Italia Arturo Ambrosio ya había creado la Società Ambrosio en 1906 y reconstruyó la recreación de la erupción del Vesubio para la que sería la película más sensacional de la época: Los últimos días de Pompeya. Las hoy día denominadas superproducciones son fruto del cine italiano que dio a luz las primeras. Títulos como: Quo vadis?, Espartaco, Jerusalen libertada, etc…
Hacia 1908, entra en crisis el cine de atracciones italiano por considerarse poco interesante, sin embargo en los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, vuelve el esplendor italiano, gracias al desarrollo del largometraje, del star system y la conquista de mercados internacionales. Se le denomina al cine de reconstrucción histórica como kolossal y triunfa en EEUU gracias a series como Marcoantonio e Cleopatra o Cabiria. El kolossal no aporta montajes o estilos relevantes, pero sí posee una impactante estética.
Más allá del kolossal, existe un cine mudo italiano realista, denominado cine napolitano, centrado en los problemas sociales y estrechamente relacionado con la literatura.
Destaca Pastrone, director de superproducciones como Cabiria (1913), que trajo consigo innovaciones técnicas, como el uso del travelling dando movimiento a la cámara, el empleo espectacularmente las luces y la búsqueda del realismo en la caracterización de los actores y su entorno. En contraposición a esta surge el cine antirretórico, cuya obra culmen es Perdidos en las tinieblas. En el año 1916 Antonio Giulio roda la que se considera la primera película vanguardista, Perfido Incanto.
El cine italiano también utilizó la figura de la mujer fatal situada entre la mujer-sexo y la mujer-amor, creando un auténtico reinado de este tipo de personaje femenino.
Finalmente, por el elevado peso de las producciones, que cada vez era mayor, el cine italiano se derrumbó.
En Italia, entre 1910 y 1912 los hermanos Corradini crean fotogramas coloreados que exhiben como si de música cromática se tratase, trasvasando a la imagen la música y a la dimensión temporal la poesía.
Cine alemán
Los inicios del cine en Alemania se caracterizan por la exhibición predominante de películas extranjeras. En 1916 se decidió crear una gran empresa de producción para abastecer al país, dado que el cine de los países con los que estaban en guerra no era una opción. De hecho, una de las manos que guió al cine alemán Ernst Lubitsch hizo un ciclo de películas historico-espectaculares comenzando por una antifrancesa y otra antibritánica que eran Madame Du Barry y Ana Bolena respectivamente.
En la década de los 20, el objetivo era mejorar el estatus social del espectáculo y añadirle atractivo a los locales. La mayor parte del público era femenino. Existía un cine de género apreciado por las clases medias.
Se denominó Monopolfilm al sistema de distribución estadounidense. El cineasta más representativo es Paul Wegener, que se siente atraído por un género que le permite explorar técnicas cinematográficas más allá del mero cine de atracciones.
En 1924 el cine alemán sufrió un desplome debido a la crisis ocasionada por el Plan Dawes para el pago de reparaciones de la guerra. El descalabro fue frenado gracias a que en 1925 pidieron ayuda a la UFA (Universum Film AG) y a las empresas norteamericanas Metro-Goldwyn-Mayer y Paramount. Esta influencia del cine norteamericano ocasionó la migración a Estados Unidos de muchos colaboradores alemanes. Durante este periodo de resurgimiento del cine alemán se abordó el realismo y se rompen los lazos que quedaban con la estética teatral. En la película Varieteé 1925, un melodrama, se usaron la alternancia de plano-contraplano de los actores que dialogan y la cámara deja de estar fija.
El expresionismo y El gabinete del doctor Caligari
El cine alemán en la época de la República de Weimar es un modelo de cine artístico y de vanguardia para toda la producción posterior. Se aprecia una influencia del expresionismo pictórico en la estilización de los decorados, los gestos, la iluminación… El expresionismo era el estilo que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones por encima de la realidad objetiva, para lo que se valía de la deformación de las cosas; el mundo interior está poseído por la angustia, la tragedia o las alucinaciones.
En cuanto al aspecto temático, existe un tono fantástico con valor metafórico. Es evidente la influencia del director teatral Max Reinhardt, con quien se formaron los principales directores de este movimiento: Robert Wiene, Paul Wagener, Paul Leni…
Los elementos fantásticos y góticos, las pesadillas y visiones, se interpretaron como síntomas psicológicos de las predisposiciones colectivas que darían lugar al nazismo. La película más significativa es El gabinete del doctor Caligari (1919), de Robert Wiene, que constituye una sátira del autoritarismo prusiano. En esta película podemos encontrar características de esta vanguardia, como el extravagante vestuario, el mobiliario exótico, los personajes muy maquillados, su estado anímico… En esta época marca un antes y un después en el cine de Weimar, al menos desde el punto de vista temático, donde predomina la carencia (familias incompletas, celos, rivalidades… donde todo se resuelve con una rebelión que termina con el sometimiento a la ley del padre). La narración cinematográfica de estos conflictos se lleva a cabo mediante encuadres particulares, flashblacks y un montaje complejo. El cine artístico alemán de la República de Weimar hace una reflexión sobre el dispositivo cinematográfico gráfico.
Además de Caligari, Wiene rueda otras películas como Genuine o Raskolnikov. Paul Wagener roda tres de las obras más características del expresionismo: El estudiante de Praga, y las dos versiones de El Golem.
Cine nórdico
Tuvo un inicio tardío en 1907, con la aparición de la sociedad A.B. Svenska Biografteatern. Fue en esta donde debutaron Sjöström y Stiller, que se convirtieron en las dos máximas figuras de Svenska.
Sjöström era puritano pero a pesar de ello supo dar pluralidad a los grandes temas nacionales como por ejemplo en La carretera fantasma donde también empleó los flash-backs, sobreimpresión y el encadenado. Las temáticas de este pionero del cine sueco solían ser: La culpa, la redención y la pureza del alma.
Por otra parte su discípulo Stiller no se quedó atrás aunque sus obras eran más refinadas. Stiller además, descubrió a ala hoy día conocida como Greta Garbo, primera de una larga saga de actrices suecas contratadas para trabajar en Hollywood. Junto con Greta se fueron los dos grandes directores pero la única en conseguir reconocimiento en América fue ella.
Hacia 1910, el cine danés mantiene una estrecha relación con el teatro y la literatura. Dinamarca es el país con una cinematografía más relevante, llevando a cabo melodramas sociales o eróticos de gran calidad técnica. Se adaptaron obras literarias de autores contemporáneos como Dickens o Dumas. Los directores que más destacan son August Blom o Urban Gad entre otros.
El cine sueco se basaba en novelas pero eso no lo teatralizó, sino que hizo que se buscaran nuevas formas narrativas como en Dödskyssen (1916) obra de Sjöström en la que se utilizan un número elevado de flash-backs correspondientes a distintos puntos de vista del mismo hecho. Este esquema narrativo muy aclamado e imitado fue utilizado más tarde por Orson Welles en Ciudadano Kane.
La temática del cine sueco eran “melodramas de salón”. Además, gracias a la influencia de los western que hizo ver la importancia del espacio narrativo, comenzaron a narrarse en espacios relevantes para la historia haciendo del paraje un personaje más de la historia y, aunque los espacios naturales tuvieron gran importancia en estas cintas, los decorados y espacios interiores no eran eclipsados por los exteriores.
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