La concepción del cine tiene su origen en la idea de la propia imagen en movimiento. La primera imagen que emulaba el movimiento se encuentra en las cuevas de Altamira. Era un jabalí con ocho patas, con lo que es asumible que las imágenes en movimiento y su captación, pese a ser un invento muy innovador, era algo que ya se buscaba desde los inicios de la especie. A lo largo de la historia, se suceden pinturas y otras representaciones secuenciales o que intentan emular el movimiento como la combinación de texto narrativo con dibujos en los papiros y en las paredes del antiguo Egipto, la Columna de Trajano, El martirio de San Mauricio, o las escenas de la vida de cristo pintadas por Giotto.
Algunos antecedentes de la creación de imágenes en movimiento son:
5.000 A.C, isla de Java, creación de las sombras chinescas.
1646 Alemania, Kircher crea la linterna mágica.
Alhazén formuló los principios de la cámara oscura, descritos por Leonardo Da Vinci y perfeccionados por Giovanni Battista della Porta.
1816 Joseph-Nicéphore Niépce consigue fijar imágenes reflejadas en el interior de una cámara oscura. Después colaboró con Daguerre para reducir el tiempo de exposición a media hora y crearon el daguerrotipo.
En 1824, el médico inglés Peter Mark Roget presenta la tesis sobre la persistencia de la retina. Aunque este fenómeno ya había sido descubierto por los griegos, Roget es el primero en sostenerlo de manera científica.
El zootropo, inventado por William George Horner en 1834. Este invento, combinado con la linterna mágica, permitía el visionado colectivo de las imágenes.
El praxinoscopio de Charles-Émile Peynaud deriva del zootropo, pero evita la pérdida de luz. Ese mismo hombre patenta más adelante el teatro óptico, convirtiéndose en el padre de los dibujos animados.
En 1861, Coleman Sellers patentó el kinematoscopio, que animaba una serie de imágenes montadas sobre una rueda giratoria con paletas.
Muybridge unió cine y fotografía. En 1878 hizo un experimento colocando 24 cámaras que fotografiaron distintos momentos del galope de un caballo. Inventó el zoopraxiscopio, un aparato que reproducía sucesiones de imágenes como carreras de caballos o vuelos de aves.
Marey colaboró con Muybridge, y sustituye el vidrio por película de papel, consiguiendo exposiciones más largas y rápidas.
Hubo otros inventos como el traumascopio, el fenakistoscopio, el eidoloscopio, el fonóscopo… que contribuyeron al desarrollo técnico de este nuevo espectáculo.
A finales del siglo XIX, estamos en una sociedad que demanda de la vida moderna, donde las innovaciones tecnológicas y los cambios socioculturales y económicos se caracteriza por el consumo, incluyendo el ámbito del entretenimiento. Esta sociedad de consumo en masa transforma la cultura tradicional en cultura de masas. Durante la Revolución Industrial, se dio una profusión de inventos que competían por avanzar en el campo de la captación y proyección de imágenes, todo simultáneamente en distintos países. Por eso, dependiendo del territorio, se consideran distintos inventores del cine: para los ingleses, el inventor es William Friese-Greene; para los americanos, Thomas Alva Edison; y para los alemanes es Max Skladanowki. Sin embargo, la “gloria” de hacer las primeras proyecciones con éxito se la llevan los hermanos Lumière. A continuación entraremos en detalle sobre estos años según los países.
A) Países con menos relevancia en la “carrera” por la producción del cinematografo:
1888. Le Prince patenta una cámara-proyector de varios objetivos. Se grabaron cosas, pero no tuvo difusión.
Friese-Greene patenta un proyector de diapositivas por segundo. Ninguna película rodada.
Los Skladanowsky crearon el bioscopio, que se usó para una proyección pública de pago en el 1895.
El primer vitascopio, de Thomas Armat se presentó en 1895 y acabó siendo de Edison.
B) EEUU (destaca Thomas A. Edison)
Los hermanos Hyatt comercializan el celuloide en 1870, inventado previamente por A W Parker. Se trata del material necesario para la fijación de la película cinematográfica
Edison: visionario del cine audiovisual, juntando el zoopraxiscopio con el fonógrafo: concepción de la unificación imagen-sonido.
El kinetógrafo fue inventado por Dickson, uno de los ayudantes de Edison. Servía de ilustración visual al fonógrafo. Las proyecciones eran de escasa calidad, por lo que Edison centró su uso en el visionado individual. Dickson construyó el “Black Maria” en 1892 y más tarde, trabajando para otra empresa americana, fabricó un proyector.
El kinetoscopio, creado por Edison y Dickson, es un sistema de visionado de imágenes individual que se comercializó en 1894. Se fabricaron en serie y se crearon películas de 20 segundos para proyectarse en las exhibiciones de este aparato. No conseguía el movimiento intermitente y por eso las películas se rompían.
En 1895, Woodville Latham y sus hijos, junto con Eugène Lauste, crean el eidoloscopio, una cámara-proyector que conseguía una imagen nítida en la proyección y un sistema de arrastre con movimiento intermitente. Evita también que las películas se rompan.
El vitascopio, creado por Edison, perfecciona el sistema de arranque, impidiendo la rotura de la película. Se presentó en 1896.
El kinetófono es una combinación del kinetoscopio y fonógrafo, siendo un precedente del cine sonoro. Fue inventado por Edison.
C) Francia (destacan Los hermanos Lumière)
1888: Louis Aimé August Le Prince hace el primer aparato de toma de vistas y la proyección de imágenes fotográficas en movimiento.
Los hermanos Lumière investigan las fotografías en color (alrededor del 92).
1895: patente del cinematógrafo de los hermanos Lumière. Mecanismo de arrastre del celuloide, aplicado a los sistemas de proyección que se basaban en la linterna mágica. Funcionaba accionado por una manivela que arrastraba la película a una cadencia de 16 imágenes por segundo. Bautizaron al aparato que emplearon para la proyección “cinematógrafo” y este nombre sirvió para todos los utensilios de proyección usados de la época.
Proyecciones restringidas a partir de marzo. Proyección pública con entrada en el 28 de diciembre de 1895, proyección de 12 películas, consideradas el germen de los futuros géneros cinematográficos. La audiencia fue de 33 personas, pero tres semanas después era de 2.000 personas diarias. Famosa publicación de prensa (La Poste) de que “Cuando se vendan estos aparatos (cinematógrafos) al público […], la muerte dejará de ser un hecho absoluto”.
GRAN BRETAÑA.- La escuela de Brighton
William Friese-Greene construye en el 1889 una cámara cinematográfica con un objetivo único, pero acaba arruinado. En UK determinan a Robert William Paul como el inventor del cine con su invento el animatófono. Comenzó con escenas naturales al estilo Lumière y luego, al igual que Meliès, pasó a una etapa más fantasiosa.
En 1895, Robert Paul y Birt Acres comienzan a rodar películas con un aparato fabricado a partir del kinetoscopio. Se separan y Paul crea una máquina de proyección pública. Además crea un estudio y rueda algunas piezas variadas. Birt Acres se marcha a Alemania, donde rueda actos del Kaiser. En 1896 presenta el kineoptikon, primer proyección de cine inglés.
La Escuela de Brighton está formada por una serie de cineastas pioneros, que ruedan con un estilo realista y temática social. Smith, Willianson y Alfred Collins son algunos de los nombres más importantes de la Escuela de Bridghton.
George Albert Smith era astrónomo y utilizó la linterna mágica para reproducir los movimientos astronómicos. Rueda películas con acontecimientos monárquicos y comedias, pero destaca por sus películas con sobreimpresiones con función fantástica a partir de 1989. Lo conseguía metiendo planos cortos y planos con punto de vista subjetivo (con lupas o telescopios). Introduce el principio de montaje con justificación narrativa y descubre la sobreimpresión y el trucaje al mismo tiempo que Méliès, sin que uno supiera del otro. Patenta el kinemacolor, procedimiento de grabación directa de la bicromía.
James Williamson concibió la cámara de cine como algo móvil que cambia de lugar, enfoque y ángulos (moving picture) y además creó un nuevo sentido narrativo en una de sus producciones que nadie había logrado antes. En Attack on a Chinese Mission Station muestra primero a las víctimas y después a las tropas salvadoras creando un esquema narrativo que se utiliza hasta nuestros días. Además también se le debe un elemento del cine de acción: la persecución. A parte de rodar, trabajó en la manipulación del negativo. Algunas de sus obras son: The Big Swallow o Stop Thief!
Cecil Hepworth, hijo de un experto de la linterna mágica. Comienza a experimentar, valiéndose de los primeros planos y demás efectos para crear sorpresa y risa. Experimenta también con la iluminación expresionista. Emplea las secuencias repetidas para enfatizar la acción y usa imágenes insertadas para recalcar la doble versión de un hecho. Crea el viváfono, un sistema que sincroniza imagen y sonido. Publica un libro de cine y luego un trabajo sobre técnica del cine, además, construye estudios y se convierte en productor a partir de 1914, siendo el más significativo de Inglaterra. Algunas de sus obras son Alice in Wonderland o Falsely Acused.
ALEMANIA.- Los pioneros
Los hermanos Skadalowsky exhibieron sus primeras películas antes que los Lumière, usando el bioscopio en noviembre de 1895. Dejaron de utilizar el aparato cuando les caducó la licencia.
Oskar Messter trabajó en todas las tareas del mundo cinematográfico. Es conocido por las filmaciones de óperas con la música sincronizada y fue pionero en los noticiarios. Durante la Primera Guerra Mundial, le buscó un sentido militar a la tecnología cinematográfica. No confió en el cine narrativo, por lo cual sus empresas fueron absorbidas en 1917.
FRANCIA.- Los hermanos Lumière y George Méliès (cine fantástico)
En el año 1895, en el sótano del Grand Café, el nº 14 del Boulevard des Capucines, en París, se realizó la primera proyección cinematográfica de la historia con el cinematógrafo de los hermanos Lumière. Las películas que se proyectaron eran sobre escenas corrientes, pero que causaron furor debido a la fidelidad de imagen, que hizo pensar a los espectadores que realmente estaban donde ocurrían esas escenas. Más tarde, en busca de innovación, los hermanos Lumière fueron a grabar imágenes de parajes exóticos como China, México, India... Desde estas primeras sesiones, los hermanos se hacen con el control de la industria cinematográfica por toda Europa en 1896, y potenciaron las instalaciones cinematográficas en todas las capitales. No penetraron en EEUU por una ley que prohibía la importación de material cinematográfico, apoyando las creaciones de Edison.
Los Lumière cesaron su actividad productora en 1900.
El cine de los Lumière se caracteriza por:
Vocación documental: representación de la vida cotidiana.
“Efecto real”: transmitir la sensación de que se capta la realidad misma.
Gusto por la experimentación.
Atención al movimiento: movimiento presente incluso en secuencias meramente estéticas.
La cámara como testigo: la cámara es el ojo del espectador.
Control de la duración: los operadores tienen en cuenta que la duración de las películas es de 50 segundos.
Se descubre el triunfo del erotismo gracias a El beso de Edison. Es en París donde Eugène Pirou, asociado con el operador Léar y la actriz Louise Willy, rodaron la película Le coucher de la mariée en la que había una escena donde la artista se desvestía (sin mostrar nada, toda tapada con enaguas y corsé). La escena comenzó el sex-appeal dentro del cine y, al igual que El beso de Edison, tuvo bastante aceptación. Por esta época el cinematógrafo era algo fantasioso frecuentemente expuesto en ferias entre hombres forzudos y mujeres barbudas.
En 1907 los hermanos Latiffe crean la sociedad productora Film d’Art para remediar la situación de que el cine era despreciado por los intelectuales. Uno de sus propósitos era introducir la noción de “estrella”, que da mucho juego en el cine de hoy en día. El 17 de noviembre de 1908 se presentó el primer programa de Film d’Art, cuya obra principal era El asesinato del duque de Guisa.
Méliès era una de las personas que estaba durante la primera proyección cinematográfica e impresionado, quiso adquirir uno de aquellos artefactos. Lumière no se lo vendió, pero lo consiguió más tarde gracias a Robert William Paul. Durante su primera grabación al estilo Lumière, la cámara falló y se paró. Cuando consiguieron continuar se fijaron en que había un salto de escena, y así nació el trucaje. Méliès siguió con su pasión, creó un estudio de grabación propio en su jardín, e introdujo el género fantástico en el cine mediante sus producciones. Concebía el cine como medio para enriquecer y conseguir nuevos recursos para los espectáculos, y a él debemos la diferenciación entre la actuación teatral y la del cine. Rodó L’affaire Dreyfuss y Cenicienta, además de actualidades reconstruidas y obras histórico-religiosas con elementos fantásticos, como su célebre Viaje a la luna. En menos de 20 años realizó 503 películas. Aunque parte de estas se han perdido, la mayoría fueron restauradas por Henri Langlois. En el estudio experimentó con métodos que le ayudaron a alcanzar su concepción fantástica del cine, unidos a los propios trucos del Teatro Robert Houdini, donde había trabajado. Trabajó para la productora Star Films y tuvo un gran éxito, pero no se adaptó al ritmo de producción. Debido a la fuerte competencia y las copias ilegales, su empresa quebró.
Pathé fue un hombre de origen humilde que consiguió escalar en la industria siguiendo los pasos de Edison, desde la compra de su fonógrafo hasta la creación de una empresa cinematográfica en torno al 1897. Antes de la Primera Guerra Mundial, el 80% de los aparatos de proyección en Europa eran de marca Pathé, y a principios del siglo XX controlaba la mitad del mercado norteamericano, convirtiéndose en el gran competidor de Edison. Su mano derecha en la empresa era Ferdinand Zecca, que como Meliès aborda el cine de fantasía, pero introduciendo el elemento realista: eran fantasías posibles. Además, examinó los trabajos tanto de Méliès como de la escuela de Brighton y toma prestados recursos de ambos, incluso mejorándolos en ocasiones. El trucaje y el cambio del punto de vista de la cámara son algunos de ellos. Pathé fue el primero en considerar el cine como una industria, más que un arte.
EEUU.- Primer cine americano, directores
Edison creía que el cine de masas no era un buen negocio hasta que los hermanos Lumière proyectaron en Nueva York. A partir de ese suceso comenzaron a aparecer salas de proyección, quitándole beneficio a Edison, aunque también cogieron auge otros aparatos americanos y los Lumière tuvieron que renunciar a su gira por el país debido al slogan que una de esas compañías tomó prestado de Monroe “América para los americanos” de la American Biograph.
En 1897, en busca del monopolio, Edison decidió contratar abogados para destruir a todas las pequeñas empresas que usaban la fotografía animada en base a una violación de patentes. Esta persecución, que ocasionó miseria e incluso muerte para algunos, fue abandonándose con el tiempo.
Se funda la Biograph Co. en 1897 y la Vitagraph en 1898. Esta última realiza una película sobre la guerra con España y a partir de entonces se hacen películas propagandísticas y falsos documentales en América.
Edwin Stratton Porter fue contratado por Edison como técnico. A partir de 1901 empieza su carrera como realizador haciendo documentales dramáticos periodísticos con carácter sensacionalista, destacando Life of an American Fireman. Le impresiona la obra de Méliès, por lo que comienza con la realización de películas de ficción. En 1903 rodó el primer western titulado Asalto y robo de un tren, que se ganó al público y se consideró obra cumbre del arte cinematográfico. A partir de ese momento se consolidó el western y la importancia de la obra de Porter llegó a eclipsar a las grandes compañías como Biograph y Vitagraph. A lo que la segunda decidió elaborar un ambicioso plan de producción de películas, en 1907, y la creación de un nuevo estudio Brooklyn con lo que en 1908 era la mayor productora.
James Stuart Blackton se introdujo en el negocio de la exhibición con Albert Smith. Juntos fundaron la American Vitagraph e hicieron películas de animación y de temas mágicos, inspirados en las producciones de Méliès. Tuvieron éxito y abordaron comedias y documentales. Comenzó la enfrenta a Edison por las patentes y, presionados por Edison, suspendieron sus producciones durante 4 años. Más tarde, se decantan por películas con desarrollo narrativo. Blackton pierde el interés en la animación debido a un gran volumen de trabajo y el incendio en el estudio de NY. Con la implantación del sistema de estudios, Blackton encuentra problemas para integrarse en la industria.
Thomas Ince se inició en los teatros de variedades. Consiguió un empleo en Biograph como director. Más tarde, se pasa a una productora independiente, pero después se instala en California y funda los estudios Ranch 101. Es pionero en la organización empresarial del sistema de producción, apostando por la especialización del trabajo y un control económico de las producciones. Este modelo influirá en Hollywood. Aspira a películas con más calidad, así que funda la Kay-Bee y más tarde, con Griffith, Sennet y Aitken, la Triangle Film Corporation. Se encargan de las comedias dramáticas, filmes sociales, westerns y películas de propaganda política.
Legitimación del Film d’Art
Durante la primera etapa del cine, existe una dualidad entre espectáculos populares, frecuentados por la clase popular, y el ámbito artístico y cultural, perteneciente a las clases acomodadas. No existe ningún tipo de interferencia entre estas actividades.
Durante los años 20 y 30, se abre un debate sobre el estatuto artístico del cine, presentando varias dimensiones de intereses resumidos en:
la legitimación artística y cultural propiciada por la industria.
la respuesta que dan los novelistas a una nueva forma de expresión.
la búsqueda por parte de artistas plásticos y músicas de otras formas de expresión mediante lo cinematográfico.
las teorizaciones sobre qué es o debe ser el cine.
el reto que supone el cine a las vanguardias.
Existen sectores artísticos e intelectuales que mostraron interés en el cine y sus posibilidades. Ellos, junto con el propio cine, buscaban con el Film d’Art una legitimación artística colaborando con otros artistas. Esta propuesta plantea dos cuestiones: sobre los espectáculos populares, que compiten con el cine; y el teatro, que busca elevarse hasta la élite cultural.
En 1908, la productora Pathé, intenta proporcionar un estatuto al cine y fundó la Sociedad Cinematográfica de Autores y Gentes de Letras, posteriormente Film d’Art. Se contratan artistas como escritores, dramaturgos, actores y músicos para rodar películas históricas y adaptaciones de novelas. Como trasfondo se encontraba la necesidad de una relación fluida entre los escritores y dramaturgos, ya que a partir de 1908 comienzan las acusaciones de plagio de adaptaciones de obras literarias.
El 17 de noviembre de 1908 es la primera sesión del Film d’Art, compuesta por la proyección de una película, una pantomima, una lectura de un poema y un número de ballet. La primera película de la empresa, El asesinato del duque de Guisa, provoca una reflexión sobre el carácter artístico del cine. Con el mismo propósito se crea la Asociación Cinematográfica de Autores Dramáticos.
El proyecto del Film d’Art dura unos pocos años debido a los altos costes, la dependencia de los actores y a su éxito escaso entre las clases populares. Aunque el objetivo inicial era conquistar el público burgués, también servía para la divulgación de la cultura entre las clases populares, haciéndolo asequible a su entendimiento. Cabe valorar la función cultural que realiza el cine dentro de la sociedad de la época, además de que asienta las bases de duración, que es una condición para el posterior desarrollo del cine narrativo.
Evolución de los argumentos y guiones
Con respecto a los escritores, existen dos actitudes altamente contrastadas: una colaboradora y entusiasta, que incluso escriben guiones de películas; y otra actitud de rechazo ante esta situación.
En Alemania, en el Autorenfilm se utilizan más argumentos originales que teatro filmado. Esto surge gracias a un grupo de intelectuales que rechazan el boicot que hacían las empresas de teatro al cine. Los escritores que participan en esto, apoyan la expresión cinematográfica, aportando mayor complejidad a los personajes.
En España se crea la Barcinógrafo en 1913, gracias a Adriá Gual. Responde ante el mismo interés que existe con el Film d’Art. Se adaptan obras teatrales. Algunos adaptadores son: Calderón, Benavente o Álvarez Quintero.
En Rusia se rechaza el Film d’Art y se propone un cine novelesco con un ritmo más lento, convirtiéndose en una hibridación entre el cine y la literatura, ya que se combinan imágenes y textos.
Cuando el cine empieza a desarrollar un carácter narrativo, la novela empezó a tomar prestados argumentos del cine, creando versiones noveladas de los filmes por episodios. En ocasiones son las películas quienes se inspiran en las novelas de episodios.
Desde una perspectiva vanguardista, está la experiencia alemana del Kinobuch, una especie de cine escrito que continúa en Francia cuando Delluc anima a publicar los guiones rechazados por los productores. Más tarde, se intenta crear un género literario basado en la literatura visual. Son textos destinados a convertirse en películas y su objetivo es que el lector se imagine el filme antes de su creación.
Francia e Italia.- Ricciotto Canudo. Teorías artísticas del silente.
Ricciotto Canudo fue un intelectual italiano que vivía en París. Trataba de crear una forma de arte total, haciendo de puente entre la cultura francesa e italiana. Funda el primer cineclub de París. Amplía el debate de la relación entre el cine y las artes. Publica un ensayo, el Manifiesto de las Siete Artes, que sentará las bases de las estéticas del cine.
Canudo divide las artes en seis: música, danza, poesía, arquitectura, pintura y escultura. Las divide en ritmos del espacio (las artes plásticas) y ritmo del tiempo. El teatro mezcla ambos ritmos y el cine nace como un séptimo arte que elimina la fractura entre las artes del espacio y del tiempo, considerado un arte plástico en movimiento.
Aparte de Canudo y Luciani, existen otros teóricos como Delluc, L’Herbier o Vuillermoz. Delluc consideraba que el cine tenía que crear un clima mediante impresiones, conseguidas teniendo como modelo la realidad. L’Herbier consideraba que el arte manipulaba la realidad hasta llegar a un resultado de falsedad y que por eso el cine no puede ser una arte, porque no engaña y trata de representar la realidad. Aún así, no consideraba que el cine careciese de valor artístico. En contra de L’Herbier, está Émile Vuillermoz, que consideraba el cine como un heredero de las artes plásticas, resultado de la innovación técnica.
Modos de Representación Estética del cine según Burch:
1895-1910: Modo de Representación Primitivo (MRP)
El MRP se califica como cine de atracciones, ya que tiene más un fin espectacular que narrativo. Se distinguen tres rasgos básicos:
La autarquía del encuadre: encuadre fijo
La no continuidad del montaje: yuxtaposición de planos
La no clausura del relato: el texto es imprescindible para la comprensión de las películas
Los siguientes elementos ayudan a explicar y especificar estos rasgos:
Mirada a la cámara: rompe la continuidad del relato
Autarquía del encuadre: los elementos de lo profílmico se subordinan al encuadre
El encuadre recoge un marco en el que toda la acción tiende al centro
La composición en profundidad, conseguida gracias a las figuras y las relaciones espaciales.
Puesta en escena con horizontalidad y frontalidad
Cuadro dentro del cuadro para los sueños
Mirada subjetiva (visión a través de cerraduras, por ejemplo), sin valor narrativo
Cambios de plano cuando se consume la acción. En las películas de persecuciones de la Escuela de Brighton la continuidad se consigue mediante el montaje
Búsqueda de acciones simultáneas
Se señala otro rasgo más: la ausencia de persona clásica, ya que al verse desde la distancia, carecen de los elementos básicos (el rostro y la voz), lo que les otorgaría profundidad psicológica.
1910-1960 (aunque vigente en la actualidad): Modo de Representación Institucional (o cine clásico)
Modo de Representación Moderno
Director cinematográfico: artesanía y autoría
Plantea en qué medida se puede hablar del director como autor y cuáles son sus huellas en una obra fílmica.
Tradicionalmente, se entendía que los autores cinematográficos eran aquellos directores que tenían un control absoluto de la producción y unas características propias fácilmente identificables, como es el caso de Chaplin o Griffith.
La creación cinematográfica constituye un proceso muy complejo donde existen múltiples factores que limitan y condicionan la voluntad artística del autor, como por ejemplo, la existencia de un guión, el presupuesto o la ubicación de la película. Hay quien considera imposible atribuirle la autoría exclusivamente al director, puesto que muchos otros puestos colaboran en gran medida con la producción. En conclusión, hay diversos grados y modos de entender la autoría según el autor que estudie el tema.
El patrimonio cinematográfico y la función de las filmotecas
Una filmoteca organismo que se ocupa del patrimonio cinematográfico de cada país, incluyendo las tareas de almacenamiento y conservación de las películas, catalogación y restauración e investigación y difusión del patrimonio cinematográfico. Surgen en los años 30, cuando nace la conciencia del valor artístico del cine.
En España hay que destacar la Filmoteca Española y la de las Comunidades Autónomas.
Se calcula que de cine mudo se conserva un 10-20% debido a que no había ningún tipo de voluntad de conservación una vez terminada la la explotación comercial.
La labor de conservación es importante debido a la fragilidad de los soportes físicos, aunque fue mejorando la calidad de las conservaciones con el tiempo al ir cambiando los materiales de las cintas.
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